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사운드아트란 무엇인가. 통상 음악을 소재로 제작한 미술 작품을 일컫는 말로, 음악가에 의한 작곡 또는 연주 행위가 아닌 미술의 범주 안에 포함되는 것을 지칭한다. 대표적으로 대규모 기계를 사용한 음향 작품, 갤러리와 같은 장소에 설치되는 음향 설치(Sound Installation), 음향 조각(Sound Sculpture), 보이스 퍼포먼스(Voice Performance) 등을 들 수 있다.1) 사운드아트의 효시를 찾아 거슬러 올라가 보면, 루이지 루솔로(Luigi Russolo)가 등장한다. 그는 1913년 자신이 쓴 미래주의 선언문 「소음의 예술(L’Arte dei Rumori)」에서 산업혁명이 인간에게 보다 복잡 다양한 소리를 감상할 가능성을 안겨주었다고 말한다. 그뿐 아니라 소음악기(Intonarumori)를 고안, 화성이나 화음을 배제한 작품을 발표하기도 한다. 다른 미래주의 작가들이 음악을 시각화하려는데 그쳤다면, 루솔로는 보다 급진적인 방식으로 음악을 미술의 영역으로 끌어들인 것이다. 

그의 시도는 다다이즘, 현대 전자음악 등 여러 분야에 영향을 끼쳤다. 존 케이지(John Cage) 역시 사운드아트를 말할 때 빼놓을 수 없는 또 하나의 인물이다. 케이지는 ‘불확정성의 음악’, ‘우연성의 음악’이라는 개념을 통해 비로소 장르 간 장벽을 허무는 데 일조했다. 대표작인 <4분 33초(4minutes 33seconds)>(1952)는 침묵과 이미 존재하는 소리 외에는 아무것도 들을 수 없는 완전히 새로운 음악을 제시했다. 그는 늘 자신이 뒤샹으로부터 큰 영향을 받았음을 강조했다. 체스에 심취했던 뒤샹에게서 체스 두는 법을 배우며 친구가 된 케이지는 1968년 캐나다 토론토의 라이어슨 극장(Ryerson Theatre)에서 기묘한 퍼포먼스 <Reunion>을 선보인다. 이 퍼포먼스에서 그들은 무대에서 저녁 8시 30분부터 새벽 1시가 넘을 때까지 체스를 두었다. 

오완석 <0+sound를 위한 테스트> 2015 초음파센서

그러나 이것은 평범한 체스게임이 아니었다. 로웰 크로스(Lowell Cross)가 특수 제작한 전자 체스판은 음향기계와 연결, 말의 움직임은 미리 설정된 메커니즘에 따라 소리와 빛으로 전환되고 관객은 주위에 설치된 여덟 개의 스피커를 통해 소리로 들을 수 있게 했다. 말이 어디로 갈지 미리 계획된 것이 아닌 만큼, 게임이 진행되는 동안 소리는 단절되고, 다시 시작하기를 반복했다. 일종의 무작위 음악을 선보인 것이다. 아이디어, 음악, 기계 그리고 퍼포먼스가 결합한 복합적인 작품인 셈이었다. 같은 해, 브루스 나우만(Bruce Nauman)은 뒤셀도르프의 콘래드 피셔 갤러리(Galerie Konrad Fisher)에서 <Six Sound Problems for Konrad Fisher>라는 설치작업을 실현했다. 나우만은 4주 동안 갤러리에서 매일 다른 소리를 녹음한 테이프를 틀어놓았다. 

여기서 흘러나온 소리는 모두 갤러리에서 직접 녹음한 것이었다. 가령 월요일에는 발소리, 화요일에는 2개의 공을 튕기는 소리, 금요일에는 발소리와 바이올린 연주하는 소리를 함께 녹음하는 식으로 말이다. 전시장에 설치된 테이프 플레이어와 의자 사이에 테이프 필름을 뻗어 연결해두었다. 그는 레코딩을 두서없는 수수께끼로 표현한다. 제목에서 보는 것처럼 소리는 구체적인 질문도 없이 문제(Problems)로 이름 붙여지며, 해결되기를 갈구하는 것이다. 어쩌면 나우만도 그 답을 내지 않았기에, 이후에도 플럭서스(Fluxus)나 해프닝(Happening) 등의 작가들이 퍼포먼스, 설치 등 새로운 사운드 작업을 이어갈 수 있었다. 1세대 사운드 아티스트로 손꼽히는 크리스티나 쿠비쉬(Christina Kubisch)는 “다행히도 존 케이지 이후로 사운드아트가 미술인지 음악인지에 대한 구분은 그다지 중요하지 않은 것 같다. 그 어떤 소리도, 만약 그것이 옳은 맥락에 놓여있다면 미술이든 음악이든 될 수 있다”고 말한다. 많은 작가는 이처럼 소리를 재료로 하는 작업에 열린 자세로 반응한다.